Alex lundqvist konstnär

När det gäller Evert Lundqvist har jag länge haft en känsla av att det finns intressanta aspekter i alex lundqvist konstnär måleri som är värda att undersöka och studera närmare-dimensioner som inte ingår i standardrepresentationen och som kan nås genom att analysera hur hans verk uppfattas tidigare och med använda själva målningen som ett direkt källmaterial för nya val och tolkningar.

Dessutom har den position från vilken vi ser konst idag förändrats något från sin storhetsperiod. Ett behov som verkar delas av många andra, och vars existens bekräftas ytterligare av det faktum att den eviga kampen för målning, utan åtskillnad mellan figurativa, traditionella och moderna former, har accepterats igen i konsten. Skolan var dock någonstans där han kände sig långt ifrån bekväm, och alex lundqvist konstnär svenska utbildning avbröts för en semester på en internatskola utanför Dresden.

Hans tid där hade varit viktig. Det tyska samhället var i ett tillstånd av upplösning efter kriget. Lundqvist tog tillfället i akt att utöka sina kulturella intressen genom att lära känna den tyska traditionen av konst och tankar. Han läste Goethe, Kant och Schopenhauer och besökte biografer och museer. Året därpå skickades han på en studieresa till Wimereux och Neyrolles i Frankrike, där han målade främst landskap, och åkte sedan till Paris för att studera vid Acad Xxmie Julian.

När Lundquist vann en plats på Konegskolan Kungliga Konsthögskolan i Stockholm i höstas hade Wilhelmsson precis blivit utnämnd till professor. Efter avslutade studier höll Evert Lundqvist sin första utställning på konstn Xnxrshuset och fick ett blandat men uppmuntrande mottagande. Lundqvist har nu fått ett brett erkännande hemma i Sverige bland kritiker och allmänheten.

Han levde en bekväm tillvaro i sin studio i Drottningholm utanför Stockholm; Doyen of painting, han var en figur som befallde respekt, klädd i sin kostym, med hatt och trumpet, och uppskattades mycket av sina elever. Den offentliga bilden av hans arbetsliv var i en karriär som nådde sin mognad på ett linjärt sätt, långsamt utvecklades innan den slutligen nådde sin slutliga form.

I dem var han lika bekymrad över att prata om sin egen konst, betona och vårda sin borgerliga status. Det finns ett stort utbud av mappar, både i Nationalmuseums arkiv och i Studiomuseet i Dotningholm, som innehåller noter, magnetinspelningar och tidningsutklipp om konst, varvat med material av mer personlig karaktär. Skrifterna om hans konstverk, som ibland hoppade upp i en hast och vid andra tillfällen noggrant introducerades, innehåller nästan maniska analyser, upprepade försök att kategorisera och beskriva logiken i hans egen konstnärliga natur.

Enligt dem har han redan börjat skissa en självbiografi, som kommer att publiceras i allt detta arbete på hans arkiv, hans självbiografi, liksom i hans studio, där han donerade till staten och som nu är ett museum, tydligt riktat till framtida forskare och och och skapad för att kontrollera sin egen bild. Det faktum att han går till sådana smärtor för att kommentera både sitt arbete och sitt personliga liv övertygar mig om att han faktiskt nervöst gömmer sig bakom den offentliga scenen snarare än att faktiskt avslöja någonting.

Förekomsten av en sådan dold sida av hans karaktär föreslås också av dem som kände Lundqvist väl. Det fanns andra, mörkare sidor för honom som han undertryckte. Det återstående kvartalet handlar om en konstnär som vänder sig bort från normerna och konventionerna i sitt medelklassliv. Det finns mycket som tyder på att han använde sin offentliga roll som kulturfigur och professor för att bilda en buffert mot de personliga svårigheter han upplevde - särskilt mot den stressiga, om än införda, form av ensamhet som kännetecknade hans liv och mot hans känslor, antar jag, inte Han var en far som var närmare förknippad med sin familj.

Han och hans fru, ebb Reuterkron, också konstnär, hade tvillingar, men Lundqvist verkar snabbt ha delegerat allt ansvar till sin fru. När han inte reste valde han att isolera sig i sitt arbete. När tvillingsönerna var sex år flyttade resten av familjen till en stor bostad i Naka. Samtidigt erbjöds Lundquist en tidigare elstation att hyra som studio och hem, som han bestämde sig för att flytta till samma år, även om det innebar ytterligare isolering från hans familj.

Det var bara fem år senare som den angränsande byggnaden blev Tom och familjen kunde återförenas. Först efter att denna förståelse har visat sig, enligt min mening, blir kopplingen med hans konst väldigt intressant och fascinerande. Men på grund av en snabb genomgång av hans arbete blir det tydligt att Lundqvist inte var en konsekvent, metodisk eller rationell konstnär. Verken har förändrats mycket genom åren, och detta har besvikat mina ambitioner att avslöja en konsekvent inställning till användningen av pigment eller motiv.

Och ändå betyder det inte att arbetet som helhet saknar ett centrum eller en vision. Betraktarens uppmärksamhet bör helt enkelt fokusera på de många elementen i målningarna som finns i förhållande till varandra och på de problem, svårigheter och relationer som konstnären fick energi från. Jag skulle gå så långt som att säga att förhandlingarna mellan dessa motsatser fungerar som en slags motor som driver båda sidor - eftersom de finns på olika nivåer av arbete - att flytta från motivet till den konstnärliga processen och tillbaka igen.

I stället för en logisk utveckling i förhållande till ett mästerverk är kreativitetens historia en kontinuerlig förhandlingsprocess, för att inte tala om konflikt, över hur en konstnär med sina traditionella verktyg kan skapa en målning som har att göra med en dubbel yta, medan arbetet är i en tusenårig tradition. Evert Lundquist, Jardin Du Luxembourg, -34 Jonas Evert Lundquist denna konflikt förekommer i de allra bästa verk från början av S Vad är också klart, dock, att dessa motiv kommer att spela olika roller för honom på olika punkter i sin karriär.

De första verken där Lundquist finner en individuell röst - och dessa är också de tidigaste verken i utställningen-har sitt ursprung i skisser från en resa till Paris på våren av båda målningarna, har ett tyngre pigmentlager och innehåller figurativa element som inte är knutna till bilden av verkliga platser, men servera i målningens grundläggande verklighet.

Räcken på höger sida av Franc Sacre Coeur eller förhållandet mellan ljus och skugga i Jardin Du Luxembourg ger exempel på detta. Detta är en funktion som utvecklas vidare i flera målningar från samma period. Det olämpliga sättet på vilket materialet bearbetas i Kninna Vid den Vita Muren kvinna från en vit vägg beskriver något helt annat än murbruket i konstruktionen.

Istället strider det mot det vanliga motivet och undergräver både känslan av enhetlighet i arbetet och möjligheten till enkla tolkningar. Några enkla konturlinjer och några små förändringar i paletten är de magra medel som används för att göra figurerna synliga och ge målningarna sin känsla av monumental linearitet. Förändringen i förhållandet mellan det feberiska arbetet på duk och motivets roll i målningen blir allt tydligare.

I stället för det intryck som betongmiljön lämnar levande genom borsten är det utseendet på kroppsmaterialet, både annorlunda och känsligt samtidigt, som bidrar till denna starkt smärtsamma känsla av existens, innesluten i en nästan arkitektonisk introversion. I dessa tidiga verk från S och S kommer Lundquist att skapa pigment i lager med samma tjocklek från sida till sida, så att säga.

Från och med S bytte han istället till att arbeta med djupare, inre rörelse, ackumulera lager på lager, och detta kommer också att få konsekvenser för figuration. Som ett resultat av arbetets långsamhet och graden av ommålning kan målningens specifika historia tydligt dechiffreras i strukturen för senare verk, som vi kan närma oss på ett nästan arkeologiskt sätt. Lundquist låter dig avsiktligt visa tidigare lager, och de är ofta tydligt synliga vid kanterna av arbetet.

Motiven själva utgör helt enkelt det översta lagret och flyter ofta över målningarna och döljer det som ligger nedanför. Men trots de stora skillnaderna i utseende mellan de tidigaste målningarna och de verk som produceras i S, grundläggande likheter mellan dessa perioder av kreativitet kan fortfarande hittas, särskilt i hur sambandet mellan motiv och målning ifrågasätts.; Det som händer på bilden rör sig bara från ena sidan till den andra.

Detta gör att vi kan jämföra känslan av ömtålig, existentiell smärta när vi står inför en målning som v Xvigen i med den självkritiska aspekten. En ytterligare förändring får en att känna att det förebådar en återgång till ett mer integrerat förhållande mellan målning och ämne.; Yxan yxan, kan tjäna som ett av de starkaste exemplen i detta avseende hittills, Koppen koppen, visar vad Lundqvist kunde uppnå när han nästan helt tappade synen och tvingades ändra tempot i sitt arbetsflöde.

Han kunde inte längre återvända till duken där arbetet började, men var tvungen att slutföra sina målningar i en session. Han kontrasterade Lundqvists prestation med det kubistiska löftet att göra det, och hävdade att Kubisten "formulerade avsikten och sedan kastade den i labyrinten av halvisolering."För att skapa var Lundqvist av exceptionell betydelse, eftersom " han satte verkligheten i sitt ämne och verkligheten i sitt måleri som ett objekt på samma nivå.

Och han gjorde det utan någon artificiell störning av de olika nivåerna där bilden läses." Titeln på målningen är en kvinna i rött. Impasto framträdde i Lundqvists verk: "i en passionerad kamp med det material som han försöker få till liv i en bild som varje gång är resultatet av en unik upplevelse, denna träsk av konflikt mellan figurativ och icke-figurativ bildkvalitet.

Liksom Bomberg arbetar Lundqvist med en syntes av de två åsikterna. Bilden innehåller möjligheten till det tillstånd som den representerar. Bilden överensstämmer med verkligheten eller inte, det är rätt eller fel, sant eller falskt. En målning representerar vad den representerar, oavsett sanning eller lögn, genom en form av representation. Vad bilden representerar är dess betydelse.

I överenskommelse eller oenighet om dess betydelse med verkligheten består dess sanning eller falskhet. För att uppnå ett varaktigt och personligt uttalande om sig själv och sitt arbete skrev Lundqvist. Han skrev om sina målningar, sin konstnärliga stil, vad han försökte uppnå, i detalj - kritisk kritik och om sig själv. I, respekterade konstkritiker Gustav von Platen sade att han kritiserade Lundqvist inte för sitt arbete, men för inspelning " varje liten skift och temperaturförändring i sitt arbete för resten av sitt liv, han kommer att vara en regelbunden besökare till Sweden NationalMuseum arkiv, där han gjorde ytterligare inspelningar av materialet, som var där.

Enbart hans tillägg fyller de hela elva volymerna, totalt sjuttio-sju volymer som finns i arkivet. En stor del av arkivet bevarar den "oordning" som ingår i Lundqvists "metod" att beskriva och sortera sina egna anteckningar och tillägg. Strem och Nationalmuseets arkiv har beslutat att bevara denna " störning "så att arkivet återspeglar" dokumentens sammanhang.

Arkivet - som Lundqvists egen konst-blir därmed ett uttryck för självreflektion och introspektion. Visa de faktiska dokumenten, besökare ska välja och beställa dokument av intresse för dem, och dessa dokument kommer att tillhandahållas i konstbibliotekets läsrum. Lundqvist var en skapare av konstverk, och med tanke på detta presenterades hans ord och mottogs ofta som absoluta.

Lew tyckte att Lundqvists stora ansträngningar att definiera inte bara hans arbete, utan också hans personliga liv, som inte var fullständigt beskrivet i själva verket, för att dölja snarare än att avslöja hans arbete och hans liv. Denna utgåva, som gavs ut efter konstnärens död, kan ha gett Linda en friare hand i att skriva sin egen uppfattning om Lundqvist. Linde skriver att det Lundqvist säger i boken är sant.

Han försäkrar läsarna att Lundqvist var vad han påstod sig vara-så långt hans påståenden gick. Men Linde verkar öppna dörren för att antyda att vissa sanningar verkligen har uteslutits från berättelsen. Linda skriver: "Men [i de anteckningar som Lundqvist lämnat finns en kopia av Gustav von Platens kritik. Lundqvist betonade Platens ord: "för att vara upphetsad i en sådan utsträckning av narcissism." Han bifogade vederbörligen sitt eget tillägg till kritiken, där han förklarar sig oskyldig till "varje försök att genomgå en detaljerad studie av min konst."I bästa fall lyckades experimentet bara skapa en offentligt erkänd bild.

Sörensen kände Lundquist väl på S och 60-talet. Han skrev att Lundqvist kan vara en man med vissa ytterligheter. Oavsett om det var hans aptit beställde Lundqvist en gång fyrtio äggröra, kanske i ett försök att övermod för att imponera på sin blivande fru Ebba. Med humor noterade Sorensen att Lundqvist med så mycket fart till och med gjorde skalorna på sina dukar större än andra artister.

Anderson har sett tider då Lundqvists personlighet kunde genomgå förändringar, och lugnet skulle snabbt bli en mani. Hans självförtroende och inre tro faller i besvikelse. Lundqvist, utan ett spår av nyckfullhet, sade att detta borde vara fallet eftersom "jag är kaos. Konsthistorieprofessorn Katharina Wadstein McLeod ansåg att Lundqvist hade införlivat motivet ensamhet i sitt arbete från början av sin karriär.

Han var ofta en varm, känslig och vänlig följeslagare. Gottfarb noterade att ibland "fasaden sprack" och Lundqvist kunde bete sig med vad som kan verka som en obegränsad mängd problem.Han trodde att många av Lundqvists vänner insåg att Lundqvist kunde ha dessa stunder, stunder som idag förmodligen skulle kallas ett manodepressivt tillstånd. De som insåg hans humörsvängningar var relaterade till hans sinnes inneboende tillstånd, förstod vid dessa ögonblick, de som inte förstod hans mentala tillstånd kritiserade honom vid sådana tillfällen.

Han var en bekväm alex lundqvist konstnär i själva verket tyckte han inte om att ta bilder på något annat sätt. Hans utseende på fotografierna fick honom att se mer ut som en universitetsakademiker än en konstnär. Hans karriär och förmågor presenterades som ordentligt säkrade över tiden på ett exakt sätt. Hans arbete gjorde honom till den respekterade patriarken av modern svensk målning, och han försökte skildra sig själv som att leva ett bekvämt borgerligt liv, vilket han förvärvade genom detta arbete.

Snarare var han en man som efter en lång dag i sin studio kunde hittas i staden och koppla av med vänner på Golden World eller Operakällaren. För allmänheten och mycket av den bredare konstvärlden erkändes Lundqvist som en borgerlig man, om inte en borgerlig konstnär. Möjliga oavsiktliga konsekvenser av en redigerad persona [redigera] Lundqvists önskan att framställa sig själv som en "borgerlig" varm och vänlig konstnär kan också ha haft oavsiktliga konsekvenser i den bredare världen av samtida konst när han försökte lära känna sitt arbete.

Han försökte marknadsföra sitt arbete utanför Sverige och se till att de ingick i internationella utställningar. Han har varit framgångsrik i sina ansträngningar, och hans arbete har nått Europa, Nord-och Sydamerika och erkänts som stora prestationer. Konstcentret har lämnat Paris, och New York har nu blivit en länk till samtidskonstens Värld.

Mary Gabriel skrev i sin bok The Ninth Street Woman om sin tro på att någon lätt kan se att allmänhetens intresse för konst har förändrats, och att konstverk innan de förlorade sitt mode. Verken och stilen på verken kunde inte längre beskriva allmänhetens psyke efter andra världskriget. Gabrielle skriver att hon förstod och instämde i poeten Adrienne Richs ord, som skrev om perioden: "radikala förändringar i mänsklig känslighet krävde radikala förändringar i konstnärlig stil." Världen har förändrats, och konsten har varit engagerad i den.

Av detta följer att konstnärens personligheter efterliknar förändringar. Jackson Pollock, som inte var tillgänglig för underskrift, skickade ett telegram som godkände hans samtycke; således kom tjugotre konstnärer för att bekräfta brevet. Pressen skildrade dem som tuffa, arga New York-konstnärer som var fattiga, skruvade och levde i kallt vatten i New York, och kämpade mot "systemet" för erkännande av sin konst.

Bilden av" Irascibles " kontrasterade betydligt med den projicerade bilden av den trevliga, irascible Lundqvist, som målade i sin Nouveau art studio, belägen i de bördiga parkmarkerna i kung Gustavs palats, och där försiktigt placerade sin mästerliga konst i dekorerat guld ramar. Kanske stödde hans porträtterade personlighet en stereotyp och fördomar som tidigare fanns, som ibland porträtterade svenska konstnärer som på något sätt "för provinsiella."Denna stereotyp nämndes och klagades över av kritikern Klas Brunius.

En annan konstnär och vän Cliff Holden säger att han bad Lawrence Adpool, som då var chef för London Institute of Contemporary Art, att ta över Lundqvist. Alloway, bekant med Lundqvists rykte på grund av att han såg för "provinsiell"ut. Imponerad bad han Holden om ursäkt "ymnigt" och sade att "han nu trodde att Lundqvist var en stor artist på den internationella scenen.

Guggenheim-museet, nyligen inrymt i sin ikoniska byggnad designad av Frank Lloyd Wright, var redan ett av de mest erkända museerna i världen. Medan Lundqvist oavsiktligt kan ha gett sin personlighet en mindre intressant "bild", kommer han att fortsätta att göra ett annat direkt val som verkar ha orsakat större långsiktig skada på hans karriär. Allingay, som curator för Guggenheim Museum, valde konstvärlden för att välja ett litet antal konstnärer som skulle ställas ut och få ett pris på Guggenheim Foundation exhibition.

Guggenheim förklarade att priset skapades för att representera "utmärkt nationell och internationell prestige." Men han insåg i vilken utsträckning "monetära intressen i stor utsträckning kontrollerade konstvärlden. Hans kritiska recensioner skulle inte stödja beslutet att dra sig tillbaka. Fredrik Lew konstaterar att kritiker av Lundqvist var "entusiastiska" och att många museer fortsatte att köpa hans verk.

Gindertael, som under Lundqvists Parisutställning skrev om det stora antalet konstnärer som dyker upp i Paris och försöker uppnå erkännande; dessa konstnärer visar sitt arbete och går in i "oklarhet från vilken de kom fram." Denna spänning, baserad på politiska och sociala skillnader, började ungefär samtidigt som Lundqvist bestämde sig för att dra sig tillbaka från världskonstscenen.

Stress kommer att fortsätta i S, når sin topp under Vietnamkriget. Mycket av erkännandet av New York-konstnärer uppstod från den extraordinära och komplexa interaktionen mellan internationella museer, galleriägare och massreklam från moderna medier; konstnärer från New York var de främsta mottagarna av denna synergi. Ulstedt hävdade att det var New York som var provinsiellt, med tanke på dess gränser för geografi och konstinnehåll.

Även om deras resonemang var heterogent byggde Lundqvist, Schantz och likasinnade medlemmar av det svenska konstgemenskapen "väggar" runt sig själva. För Lundquist fungerade murarna effektivt för att förhindra att hans arbete gick ut i Sverige. Väggar byggdes för Schanz för att bromsa inträdet av homogeniserad "utomhus" konst i Sverige. Under byggandet av dessa filosofiska "väggar" skapades också vissa konsekvenser, förmodligen oavsiktliga.

Sverige har lidit av att avvisa den" internationella "och" homogeniserade " konstvärlden. Kritikern Ludwig Rasmussen ansåg att Stockholm i slutet av sextiotalet "förlorade sin glans. För Rasmussen var vissa museer inget annat än "döda mausoleer"." Konstnären, samtidigt som han bevarade sina värderingar, berövade honom samtidigt en karriär i världen. Lundqvist var inte bortglömd; konstnären var helt enkelt otillgänglig, utom i Sverige.

Oron för ekonomin och konsten [redigera] Lundqvists beslut att dra sig ur den bredare konstvärlden var subjektivt. Galleri Rave Gauche grundades av konstsamlaren och historikern Heinz Berggren. Fyrtiotvå målningar presenterades på utställningen, varav tjugofem var tillgängliga för försäljning. Denna utställning ägde rum från 18 oktober till 16 November och listades sedan som en del av en privat samling i London.

Dessa åsikter, åtminstone delvis, har blivit fast förankrade av de rigorösa tolkningar som Lundqvist själv har lagt fram. Lundqvists egen önskan att bestämma hur han och hans arbete skulle ses kan ha bidragit till allmänhetens oförmåga att erkänna hans arbete som framåt och innovativt. Wall Street Journal uppgav att allmänheten inte erkände att Lundqvist var "moderna kritiker av Lundqvist, liksom konstgjorda historiker, hade till uppgift att klassificera var Lundqvists konst stod." Metoden för att utveckla tolkningen av konst kan variera, men kommer som regel att bero på studiefriheten och utbyte av tankar, vilket ibland kan vara bortsett från det direkta bidraget från skaparen av verken.

Vissa tolkningar kanske inte överensstämmer med konstnärens uttalade avsikt. Enkelt uttryckt kan Lundquist ha skapat en låda där han direkt satte sig själv. Med Lundqvists beslut att dra sig tillbaka från konstens yttre värld förseglades lådan han skapade. Han förhindrade faktiskt en dialog om sitt konstverk i den bredare konstvärlden. Med tanke på Lundqvists uppkomst i den svenska konstens hårda värld, öppna diskussioner om de djupare konsekvenserna av alex lundqvist konstnär verk och mannen själv, skulle diskussioner som Lundqvist skulle avvisa om de inte följde hans berättelse ha väntat efter hans död.

Enligt curator Fredrik Lew, " jag hoppas att utställningen kommer att ge plats för flera röster och för nya upplevelser. Lundqvists uttalanden om hans konst respekterades, men de var inte längre helt bindande. Fri från Konkretiteten i Lundqvists berättelse var hans konst och hans egen personlighet inte längre begränsad till utseendet på en ytlig nivå. På sätt och vis verkade hans målning göra samma sak; de många och flera lager av färg som skapades över sig själv blir en metafor för hans egen personlighet.

Konstkritikern och Professor Emeritus Terry Barrett hävdar att även om det skulle vara oklokt att ignorera konstnärens uttalanden om deras konst, skulle det också vara lika oklokt att vara helt associerad med dem. Ironiskt nog visade Lundquist, en man som skapade en skiktad och redigerad personlighet av sig själv för att befria sig från sina "demoner" och också skrev mycket om sina känslor om sitt liv och konst, ingen önskan att tillämpa psykologi för att tolka sitt arbete.

Målningarna, nästan nakna, visades så att de skulle vara centrum för uppmärksamhet och betoning. Lundqvist var inte bara en eremit, en ensam konstnär, utan snarare en fullständig del av "sin tids filosofi."Utställningen torkade bort "dammet"; Lundqvist och hans konst var återigen uppenbara och synliga. Shirokogrena beskrev Lundqvist och " såg en konstnär stå bredvid sin tid, Lundqvist kunde infoga sina motiv i "sublimt, ikoniskt eller oftare bara något magiskt.

Lundqvist bodde vid olika tillfällen separat från sin familj och begränsade inte fysisk kontakt med dem. I synnerhet under hans första förvärv och bostad i hans då permanenta studio i Canton, Drotningholm, konstaterades att Lundqvist sällan hade fysisk kontakt med sin familj, som bodde i Naka. Han skrev ofta kärleksbrev till Ebba, där han gjorde små ritningar för henne. Lundqvist sa att han skrev sådana brev den sista dagen i månaden, en praxis som han fortsatte "från vårt bröllop till vår död."Jekyll och hälften av Mr Hyde, med förklaringen att den ena sidan representerar honom när han ritar, den andra sidan när han inte gör det.

Han antar lekfullt att EBBA täcker någon sida hon inte vill se för att se den sida hon vill se. Stölden vid Skandinaviska Banken på Gamlestadstorget inträffade samma dag som försvinnandena. Rånet, där en av de manliga rånarna klädde sig som en kvinna och vilt började skjuta in i folkmassan, ledde till ett litet levande flyktförsök. Rånarna, i våtdräkter som de gömde under sina kläder, försöker fly in i Xiawean River.

En av grupperna, smeknamnet "hjärnan" av den svenska pressen, sköt sig av misstag i benet, vilket förhindrade hans flykt. Efter några timmar under vattnet kom "hjärnan" till ytan bara för att arresteras. Samma dag som rånet och andra försvinnanden skickade Liftaren Huebner post till sin familj från Göteborg, han sa helt enkelt:: "Det är okej, oroa dig inte.